En marzo de 1917, en la Académie Colarossi de París, el destino unió a Amedeo Modigliani, un pintor italiano de 33 años, con Jeanne Hébuterne, una joven estudiante de arte de 19.
A pesar de la feroz oposición de la familia de Jeanne, que veía en el bohemio Modigliani una amenaza para su hija, el amor entre ellos floreció rápidamente. Jeanne, con su capa, tocado y botas altas, encontraba en Amedeo una libertad que no había conocido antes.
Para Modigliani, Jeanne fue más que una amante: fue su musa, su inspiración y su refugio. En sus lienzos, ella aparecía con el cuello alargado y la mirada melancólica, inmortalizada en su mundo de formas suaves y colores cálidos. Juntos tuvieron una hija, pero la vida que compartieron estuvo marcada por la pobreza, la enfermedad y los excesos del artista.
En enero de 1920, la tragedia se hizo inevitable. Modigliani, debilitado por años de alcohol y penurias, cayó enfermo. Después de una semana de delirio, murió el 24 de enero, con solo 35 años, víctima de meningitis tuberculosa. Jeanne, embarazada de ocho meses, quedó devastada.
Dos días después del entierro de Modigliani, en medio de una disputa familiar por el futuro de su hija, Jeanne tomó una decisión desesperada. En la madrugada, en su habitación en casa de sus padres, se acercó a la ventana del quinto piso y se lanzó al vacío.
¿Fue por amor? ¿Por desesperación? Probablemente, por ambas razones. La familia, avergonzada, la enterró en secreto en el cementerio de Bagneux, mientras que Modigliani descansaba como un príncipe en Père-Lachaise.
Pero el destino no quiso separarlos para siempre. Diez años después, gracias a los esfuerzos del hermano de Modigliani, los restos de Jeanne fueron trasladados junto a los de su amado. Desde 1930, comparten la misma tumba, marcada por un epitafio que resume su historia:
“Compañera devota hasta el sacrificio extremo.”
Un poco más de Modigliani…
Amedeo Modigliani estaba en Livorno, Italia. En el momento de su nacimiento, su padre, un empresario judío italiano, se había declarado recientemente en bancarrota. Se dice que el nacimiento real de Modigliani salvó a la familia de la ruina, ya que fue el mismo día que los acreedores llegaron a apoderarse de todos sus activos, pero, debido a una antigua ley, a los acreedores no se les permitió tomar la cama de una mujer en trabajo de parto, por lo que la familia apiló sus pertenencias más valiosas encima de ella.
Modigliani sufrió problemas de salud a lo largo de su vida, comenzando en la infancia. Desarrolló la pleuresía a los 11 años, y contrajo fiebre tifoidea solo un año después. A los 16 años contrajo tuberculosis, que en última instancia sería su causa de muerte.
Se sabe que comenzó a dibujar y pintar cuando todavía era niño, y su pasión por el arte se destacó cuando, durante su ataque de fiebre tifoidea, comenzó a delirar inducido por la fiebre sobre ver las viejas pinturas maestras de Florencia. Su madre prometió llevarlo a ver las pinturas ella misma una vez que se recuperó, una promesa que finalmente cumplió.
El artista estaba profundamente interesado en la filosofía, habiendo comenzado a estudiar el tema cuando era niño. Fue particularmente influenciado por los escritos de Charles Baudelaire, Comte de Lautréamont y Friedrich Nietzsche.
Modigliani intentó alistarse en el ejército cuando estalló la Primera Guerra Mundial, pero fue rechazado debido a su mala salud en curso.
Cuando Modigliani se trasladó inicialmente a París en 1906, se presentó como un artista académico, y ex burgués: era reservado, bebía solo con moderación y decoraba su estudio con buen gusto con viejas reproducciones maestras. Todo esto sería terriblemente en desacuerdo con la naturaleza degenerada y vagabunda por la que llegaría a ser conocido más adelante en su vida.
Mientras vivía y trabajaba en Montparnasse, comenzó a estudiar con el famoso escultor Constantin Brancusi, lo que lo llevó a crear un cuerpo fuerte de escultura en su obra.
Después de mudarse a París, Modigliani adquirió el apodo de Modi, que era un juego de la palabra francesa Maudit, que significa “maldito”.
Otros artistas que también trabajan en el barrio de Montparnasse de París con frecuencia fueron los temas de sus retratos estilizados, incluyendo a Jean Cocteau, Juan Gris, Pablo Picasso y Diego Rivera.
Desde aproximadamente 1914 en adelante, el abuso de drogas y alcohol del artista aumentó enormemente. Algunos eruditos han especulado que esto era para compensar, así como enmascarar la tuberculosis, una condición que casi nadie en su vida era consciente.
Modigliani completó su primer autorretrato en 1915, representándose a sí mismo como Pierrot, un personaje reconocible de la Commedia dell’Arte, un payaso que está altamente asociado con el arquetipo romántico y angustiado del artista.
El comerciante de arte Léopold Zborowski le encargó varios desnudos entre 1916 y 1919. Le pagó a Modigliani una tarifa de día de entre 15 y 20 francos, suministró modelos y materiales, y le permitió usar su apartamento como estudio. Estas obras están ahora entre las más famosas de Modigliani.
Pasó la mayor parte de su vida en la indigencia. En gran medida no tuvo éxito en vender su trabajo, y, cuando lo hizo, nunca fue por mucho (y la mayor parte del dinero que ganó se utilizó para apoyar su abuso de sustancias).
Debido a que pasó gran parte de su carrera empobrecido, algunos eruditos han especulado que la piedra que usó para sus esculturas fue robada de los sitios de renovación de la ciudad en Montparnasse: su serie de cabezas están hechas del mismo tipo de piedra caliza que se estaba utilizando para renovar el vecindario.
Modigliani fue presentado por primera vez a Jeanne Hébuterne, una estudiante de arte y modelo, por la escultora Chana Orloff. Poco después se mudarían juntos y tendrían una hija, Jeanne Modigliani. Jeanne Modigliani fue una historiadora de arte judía italiano-francesa conocida principalmente por su investigación biográfica sobre su padre, la artista Amedeo Modigliani.
Modigliani tuvo su primera (y solo durante su vida) exposición individual en 1917. Sin embargo, según la historia, un oficial de policía que pasaba estaba tan escandalizado por sus pinturas de desnudos que el espectáculo se vio obligado a cerrar pocas horas después de su apertura por la indecencia proclamada.
Algunas fuentes afirman que la indignación y cierre temprano de su exposición individual no se debió a la estilización de su obra o la desnudez, sino más bien a la presencia de vello púbico en sus pinturas de mujeres.
A principios de 1918, Modigliani y Hébuterne pasaron un año en Francia, y desarrollaron un fuerte círculo social que incluía a Pablo Picasso y Pierre-Auguste Renoir.
Hébuterne, entonces la prometida de Modigliani, estaba embarazada de ocho meses de su segundo hijo cuando murió el 24 de enero de 1920. Un día después, devastada por su fallecimiento, se arrojó por la ventana del quinto piso de la casa de sus padres, matándose a sí misma y al niño por nacer.
No fue hasta casi una década después de la muerte de Modigliani y Hébuterne que la familia de Hébuterne le permitió volver a ser enterrada en el cementerio de Père Lachaise junto a él; una sola lápida marca ambas tumbas.
Un gran número de obras de Modigliani se han perdido. Gran parte de la obra temprana del artista fue destruida por el propio artista, que la consideró inmadura y producto de su vida anterior como una “burguesa sucia”. Otras obras fueron abandonadas durante sus frecuentes reubicaciones, y otras fueron entregadas a una serie de intereses amorosos que no los mantuvieron.
(*) Nu Couché (Sur Le Côté Gauche), 1917. (*)
“Solo hay un pintor del desnudo moderno”
-André Salmon
Quince francos al día. Ese fue el estipendio que Leopold Zborowski, el comerciante de Modigliani, le ofreció en 1917 pintar una serie de desnudos. Con esta suma Modigliani creó varias de las pinturas más impresionantes de la historia del arte, reinventando el desnudo para la época moderna.
Nu couché es la obra maestra de esa serie.
A los modelos de Modigliani se les pagó cinco francos para posar en un apartamento justo por encima del propio Zborowksi en 3 rue Joseph Bara, escondido entre el Cimetière du Montparnasse y el Jardín du Luxembourg. Estos modelos, envueltos en sábanas, encaramados en sillas, reclinados en sofás o camas, eran relativamente anónimos; Modigliani no pintaba sus amantes en déshabille.
Mientras que el artista pudo haber tenido una distancia emocional de los asistentes de estas obras, ciertamente no tenía distancia física. Dominan su espacio, desprovistos de colocarse más allá de una almohada o silla, llenando el marco con las manos y los pies que se estiran, los antebrazos y los brazos literalmente de los bordes del lienzo. A veces la modelo sujeta una sábana a su alrededor, a menudo exhibiendo más de lo que oculta la cortina.
Las mujeres de Modigliani se sienten fuertes, reales y sustanciales.
Su desnudez es segura de sí misma y orgullosa, no está envuelta en el mito o la alegoría.
Nu couché es la pintura más grande de Modigliani pintada, y la única de sus desnudos horizontales que contiene toda la figura dentro del lienzo.
La modelo mira con confianza hacia atrás sobre su hombro derecho, la pendiente de su perfil haciendo eco del espacio negativo a lo largo de los bordes de su torso. Combinado con los tonos de carne ricamente modulados de las figuras y el fondo de color oscuro, Nu couché, ofrece una visión única y moderna del tema más grande en el arte occidental.
Esta serie de lienzos desnudos son algunas de las imágenes más alegres y descaradamente eróticas de la historia del arte. Son engañosamente pioneros; asimilan diversas culturas visuales de todo el mundo y a lo largo de los siglos, al tiempo que incorporan la vanguardia de sus contemporáneos.
Estas pinturas también representan a la nueva mujer de la Primera Guerra Mundial, París; una mujer cuyo abrazo de su propia sexualidad alude al creciente poder y autonomía de las mujeres. El año en que se pintó Nu couché, el derecho de voto de una mujer fue apoyado en lugares tan lejanos como el estado de Nueva York y la República Rusa. En poco tiempo, el Reino Unido y los Estados Unidos en su conjunto seguirían su ejemplo, y una amplia gama de derechos legales, incluido el control de la propiedad, los salarios y la manutención de los hijos, siguieron convirtiéndose en ley en gran parte de Europa.
Modigliani comenzó a pintar desnudos en 1908, con cuatro ejemplos marcados, dos casos, por su rigidez y en los otros por un movimiento no resuelto hacia el expresionismo. Unos años más tarde, desde 1911-12, ejecutó desnudos en las formas estilizadas, pero fue solo después de abandonar la escultura en 1914 que desarrolló el lenguaje único evidente en la pintura actual. La suya fue una estética obtenida de los precedentes artísticos de la pintura italiana del Renacimiento y la pintura manierista, la simplicidad lineal de las tallas africanas y la paleta en tono tierra y el modelado geométrico del cubismo.
Todas estas influencias se pueden identificar en Nu couché, pintado por el artista en 1917.
La mayor parte de la producción de Modigliani se basó en el retrato, que, la mayoría de las veces, representaba a los que lo rodeaban: los compañeros artistas Jacques Lipchitz, Diego Rivera, Chaim Soutine, Juan Gris, poetas como Jean Cocteau y Max Jacob, amantes de Beatrice Hastings a Jeanne Hébuterne y patrocinadores como Paul Alexandre, Paul Guillaume y Léopold & Hanka Zborowski.
Aparte de un verdadero quién es quién de los círculos artísticos más bohemios de París, Modigliani también aprovecharía las oportunidades para encontrar otras mujeres, aunque las oportunidades para los modelos no remunerados eran pocas y distantes entre sí.
Simonetta Fraquelli reflexionó sobre la producción del retrato de Modigliani:
“Los retratos de Modigliani y las pinturas de una sola figura se encuentran entre las imágenes más memorables y populares de principios del siglo XX. Poseen una cualidad arquetípica que los diferencia del arte de sus contemporáneos en París en las dos primeras décadas del siglo pasado. Al igual que los desnudos del artista, dan testimonio de una fascinación duradera por la forma humana y la fisonomía. El dominio de Modigliani radica en su capacidad para conservar la semejanza esencial de sus modelos mientras expresa esa semejanza en su propio vocabulario circunscrito de formas”.
No fue hasta que Zborowski dio un paso adelante con un espacio y modelos de pago que Modigliani se embarcó en su gran serie de desnudos.
El artista exigía aislamiento y estaba furioso cuando Zborowksi una vez lo interrumpió para robar una mirada a un modelo rubio particularmente atractivo. De los 35 desnudos, algunos dos tercios presentan modelos que se reclinan a lo largo del eje horizontal, mientras que el resto se para o se sienta en un formato vertical.
¿Qué tienen los desnudos de Modigliani que han atraído la fascinación durante mucho tiempo?
Al crecer en Livorno y viajar en su juventud a Roma, Florencia y Venecia, Modigliani estuvo expuesto a los grandes del arte italiano medieval y renacentista. Desde las líneas alargadas y sinuosas de trecento y quattrocento de la Virgen María hasta la voluptuosa Venus de Urbino de Tiziano, hasta los vuelos religiosos y mitológicos de fantasía de Botticelli y Lippi, las influencias de la exposición temprana de Modigliani a las prácticas de las generaciones anteriores dieron forma a su producción posterior de la misma manera que la de su círculo de Montparnasse y las nuevas olas de interés en el arte africano y la abstracción Casi desde el momento en que llegó a París, Modigliani recorrió los museos y galerías.
El Nu couché de Modigliani no usa nada. No hay símbolos que aludan a quién es, cuál es su lugar, a dónde pertenece.
Ella es simplemente una mujer desnuda en un cojín blanco sobre un fondo oscuro. Modigliani no le dice a su espectador qué pensar de esto.
“Se puede admirar cualquiera de los estudios de desnudos de Modigliani por sus cualidades pictóricas, su aire de seguridad, sus barridos de bravado del pincel que, con gran economía de medios, transmiten el peso de una encubrición, un destello de luz en el fondo, o esos pequeños detalles agradables que hacen eco del tema principal de manera tan satisfactoria.
Uno admira sobre todo la belleza lírica de la línea.
Años después comenzó una búsqueda de la línea simplificada como una solución a su búsqueda del significado esencial de la vida , la perfeccionó en sus magníficos desnudos. La forma femenina, idealizada, se extiende a través de sus lienzos en “todos los lineamientos del deseo gratificado”, como escribió William Blake… porque de hecho estas obras son “tan simples, sensuales y apasionadas como la poesía de Keats” .
Las máscaras disfrazan las verdades, sus desnudos revelan la naturaleza esencial del propio Modigliani”
-Meryle Secrest
Ningún otro pintor, en nuestro siglo o en ningún otro, ha pintado el cuerpo humano femenino como él.
Y sin embargo, sus desnudos evocan asociaciones involuntarias del clasicismo.
Son una continuación de una gran tradición de la pintura europea, no solo temáticamente sino también en la interpretación “espiritual” del tema, en la medida en que constituyen una celebración de la belleza, la inmaculación y la perfección, y por lo tanto una idealización de la naturaleza física, que, en estas imágenes, prescinde de un contexto visual idealizado y, por lo tanto, puede entenderse como una contribución a la liberación del sexo de las intrusiones moralistas.
Los desnudos están totalmente liberados, incluso si el propio artista no tenía idea de convertirlos en un gesto liberador.
“Desde todos los lados de una enorme galería central, sus oscuros ojos de almendra se encuentran con nuestra mirada. Figuras verticales inusuales con exuberantes pliegues de carne – ‘Desnudo sentado’, ‘La Belle Romaine’ – nos arrestan con sorprendentes poses arabescas.»
-Jackie Wullschlager
“Los desnudos son ricos en otras dimensiones visuales además de solo imágenes (o lo que se representa). Son arreglos de formas y espacios, superficies sorprendentes y pintura rayada y desforzada contrastada con líneas delgadas, negras y elegantes que se detienen y comienzan…. te encontrarás perdido en líneas y estructuras…. La construcción de los desnudos como formas es fascinante”
-M. Collings
La influencia de Modigliani se siente claramente en las generaciones que siguieron.
Canonizado por el mundo del arte prácticamente a los pocos días de su muerte, y la muerte de su amante Jeanne Hébuterne, los mitos que rodean su práctica artística y su estilo de vida bohemio en París se han convertido en legendarios.
Un cierto romanticismo, incluyendo la visión de Modigliani como “el ángel melancólico” impregnó la erudición durante décadas, a medida que la demanda de sus pinturas y esculturas se disparó.
Su sorprendente nueva versión del desnudo vendría a influir en algunos de los más grandes artistas de las generaciones a seguir, incluidas las somnolentes figuras de Lucian Freud, los cuerpos de colores brillantes y pert de Tom Wesselman, los desnudos táctiles de Jenny Saville que llenan sus lienzos, las pinceladas de Kooning y las pinceladas fluidas que forman figuras femeninas aparentemente desencarnadas, la juguetona y guiñada toma de John Currin.
La sexualidad franca de Nu couché incitó la pasión por el desnudo en el arte contemporáneo.
Más de 100 años después de su creación, el poder de Nu couché para sorprender y sobresaltar sigue siendo tan potente como lo hizo en 1917.
Lo que Modigliani capturó fue esencial en el sentido de que captura el ser o la esencia del desnudo.
Escribiendo a su amigo Oscar Ghilia en 1901, Modigliani declaró:
“Estoy tratando de formular con la mayor lucidez las verdades del arte y la vida que he discernido dispersas entre las bellezas de Roma; y a medida que su significado interno se vuelve claro para mí, buscaré revelar y reorganizar su composición, casi podría decir arquitectura metafísica, para crear de ella mi verdad de vida, belleza y arte”
